Mi intención fue tomar fotografías y luego procesarlas con la técnica HDRR (High Dinamic Range Rendering, o renderización de alto rango dinámico) mediante la cual, se trata de simular el funcionamiento del ojo humano en lo que respecta a la “visualización” de las imágenes. Esto querría decir que las imágenes procesadas en HDRR son lo mas parecidas a la realidad.

Y bueno, mas allá de eso, las imágenes que obtuve fueron las siguientes:

Como dato técnico, cada una de las imágenes esta compuesta de 4 fotografías, tomadas a distintas exposiciones cada una y utilizando trípode para no mover el plano (y por lo tanto ser bien procesadas luego).

HDRR es una técnica que permite obtener fotografías maravillosas, pero requiere de algo de paciencia si recién empezamos con ella. Al respecto del proceso posterior a la toma pueden realizarlo a mano con casi cualquier programa de retoque fotográfico, o (como yo) utilizar algún programa gratuito para procesarlas. Los resultados variaran según los niveles y la calidad de las imágenes obtenidas, por eso se recomienda la utlización de un trípode.

Como datos extras, te recomiendo los siguientes links, donde hay mas info y datos  adicionales para lograr mejores imágenes

Consejos Clave para hacer Fotos HDR Espectaculares

8 Programas HDR para Hacer Fotos de Alto Rango Dinámico Alucinantes

Como habrás notado es solo cuestión de empezar, ya que cualquier lugar resulta interesante al ser fotografiado de esta manera.

Mucha suerte, y no olvides contarme como te fué.

Algunas de estas técnicas son:

• Andar siempre con un anotador a mano
• Escribir cualquier cosa que se nos ocurra
• Sacar todo de nuestra cabeza, no dejar nada

Como leerán nada complicado. Lo difícil es empezar.

Así que ya no hay excusas, a escribir que el mundo nos espera!

Pueden leer mas en la entrada original: http://www.elperroque…-escribir/

Gracias Perro!

Mas información en http://unmundobinario.w…28-palabras-en-google/.

La cuestión es que el cine enseña, mirando se aprende decía mi abuela (aun lo repite). Muchos de los directores que mencioné fueron los que impulsaron a hacer cine a los mas grandes de hoy (Tarantino y Jackson son algunos de ellos). Nada es malo, todo es arte a la manera de la persona que lo compone. Personalmente me quedo hasta que la película termina, así sea mala o este mal hecha. Todo enseña.

Llegando al Ki de la cuestión, todo enseña. Recorriendo la web (ya me parezco al Eternauta) me encuentro con una aparente transcripción de una charla del director Robert Rodriguez en la que enseña “cine en 10 minutos”. Dado que todo sirve, nunca esta de mas repasar algunas técnicas básicas de producción. Algunos lo criticaran, otros encontraremos cosas que ya sabemos y con las que “crecimos” y a otros los apasionará e impulsara definitivamente a acercarse al cine.

Para todos ellos, la-escuela-de-cine-en-10-minutos-de-robert-rodriguez.

Nadie podrá negar la capacidad de motivar, de levantar ánimos que tiene con los mensajes.

Un abrazo, espero les sea útil.

Leyendo mis RSS encontré información sobre la película Jumper, esta consistía, básicamente, en la ficha técnica de la realización, pero navegando hacia abajo encontré algunas cosas mas: detalles de la producción, experiencias del director y demás:

(Hynek habla sobre la realización de los “saltos”)
“Es un método muy sencillo. Si queríamos que el saltador saliese de una escena, el director gritaba «congelar». Todos los actores dejaban de moverse, el saltador salía fuera de cuadro, la cámara retrocedía un poco, y entonces el director señala «descongelar» y la acción se retoma desde donde se dejó”.

Si quieren conocer mas detalles (y leer el resto) http://www.labutaca.net/films/59/jumper3.php.

Nos vemos!

Hace algunas semanas tome el encargo de realizar el primer video clip para una banda de músicos amigos. Al respecto de eso, también es mi primer incursión en este genero. Dada mi virginidad estuve buscando datos acerca de ello: estructura narrativa, técnicas y demás.

Ha continuación dejo un repaso sobre el material que encontré en internet:

El video clip tiene una breve historia: nace en la década del 70 con grupos pioneros como Queen y tiene un origen muy concreto, el servir de apoyo publicitario al lanzamiento de discos. Por tal motivo es ante todo un producto funcional, por cuanto tiene un objetivo puramente comercial.

La duración normal es aquella en que la representación discursiva de un hecho coincide con la duración real del mismo, es muy poco frecuente en el video clip y las veces que es actualizada se hace con una marcada voluntad de ruptura. Los ejemplos de duración normal hallados fueron rodados con la técnica de plano secuencia.

De forma similar a la mayor parte de ficciones audiovisuales, el clip narrativo posee una duración anormal. Los recursos actualizados que explican su inclusión en esta categoría serán la elípsis, el resumen y la pausa descriptiva:

La pausa descriptiva es consecuencia del uso de la cámara lenta, cuyo sentido ha evolucionado a lo largo de la historia del video clip. En un principio utilizado como expresión surrealista y actualmente con fines estéticos, frecuentemente utilizado para mostrar en mas detalle situaciones que de otra manera pasarían desapercibidas.

El jump cut o salto de montaje es una técnica a travez de la cual la velocidad de la imagen es manipulada, a veces, hasta detenerse en un plano estático, para a continuación volver a retomar el tiempo que le correspondía bruscamente.

La obsesión por la velocidad es parte del fenómeno de la televisión, descrito como fragmentación, de la cual el espectador, control remoto mediante, es participe y generador cambiando (saltando) de uno a otro canal y contenido.

“El clip musical no es mas que una producción audiovisual inteligente, meditada y contundente en su expresión, destinada a incitar el consumo de artículos discográficos”.

Gonzales Requena.

La canción no solo establece la duración del discurso sino que a veces determina su ritmo.

Existen una serie de reglas y acuerdos que se pueden extraer de los videos clip ya realizados. Básicamente consisten en el movimiento en todos los niveles, imponiendo dinamismo y vértigo. Esto puede producirse de varias maneras y a veces también combinándolas en su totalidad.

• Multiplicando la fragmentación de planos al realizar el montaje.
• Cambiando de plano cada pocos segundos (el máximo lo determina el tipo de temática o el ritmo de la música y/o la historia) con el mismo contenido o alternando contenidos o escenarios.
• Movimientos de personajes en escenas de todo tipo provocando fuerzas de tensión en pantalla.
• Movimientos de fondos o escenarios por detrás o delante de los personajes.
• Movimientos de cámara: desplazamientos, travelling, acercamientos, zoom, etc.
• Mostrar en pantalla varios acontecimientos mediante la exhibición de varios planos, esto es, “partiendo” la pantalla en varios campos de visión.
• Cambio de color y “look” de la imagen.

Existe también una clasificación (muy elemental, por cierto) de los videos. Ellas son:

El video clip narrativo, donde se cuenta una historia con un hilo argumental mas o menos articulado y, en algunos casos, muy sutil

El video clip catarata de imágenes o collage, que consiste en mezclar imágenes de manera yuxtapuesta y fragmentaria. Los sistemas son de lo mas variado. Como destacados se pueden mencionar:

Los fragmentos de actuaciones musicales (supuestamente en vivo o en directo) que es la forma mas utilizada y mas pobre.

Con la presencia de animaciones.

Junto a imágenes de reportajes y documentales.

Junto a imágenes generadas por computadora.

Con videos que muestran abiertamente como se ha realizado el propio video.

Recopilando varios otros videos de la banda.

Quizas esta algo desordenado y desprolijo por lo cual el montaje literario al que someti el material, queda en evidencia, pero lo importante es comprender los datos extraidos. A continuación cito las fuentes, los nombre de los autores y los vínculos para obtener el material original:

El ritmo en la edición del video clip: articulación de categorías temporales.

José Patricio Pérez Rufí. Universidad de Sevilla.

Francisco Javier Gomez Pérez. Universidad de Sevilla.

El video clip musical.

Manuel Fandos Igado

La creatividad en otros formatos audiovisuales: el video clip musical.

Ana María Sedeño Valdellós. Universidad de Málaga.

Solo me queda señalas que mirar, mirar y mirar videos también sirve, para comprender y observar tendencias y técnicas de montaje y de cámaras. En lo que a mi respecta, siempre es bueno trabajar con historyboards (aunque sea referenciales, osea, no hace falta ser un gran ilustrador) ya una vez que sacamos la imagen de la cabeza, es mas sencillo darle forma y visualizarla.

Espero que todo esto sirva como referencia, y ya saben, dejen su comentario y experiencias que serán bienvenidas por todos los que leamos este artículo.

Gracias.

Lo que veo mal es que, en varios sitios y artículos, se menciona a photoshop como el programa de retoque fotográfico por excelencia. Si, ya lo se, el común de la gente pregunta por el todo el tiempo. Los clientes de negocios de computación lo piden siempre, aun sin saber como usarlo. Pero no nos dejemos engañar, existe un mundo ahí afuera (o aquí dentro) donde los reyes no solo son los de mayor renombre. Gimp, por mencionar uno, es un completísimo programa para trabajar con fotografias y demás. Lo importante es que no tenemos porque pagar un peso por el, ni siquiera algunos dolares. Este es completamente gratuito y puede descargarse desde aquí: http://www.gimp.org.es/modules/mydownloads/.

Bien, voy a volver al articulo dejandoles un breve repaso de “las 8 tecnicas que pueden producir buenas fotos”. Cabe aclarar que, a pesar del título del articulo original, las técnicas pueden ser llevadas a cabo con cualquier programa de retoque fotográfico:

• Aumentar el contraste de los colores
• Contrastar el blanco y negro
• Saturar el color
• Utilizar un “estilo vintage”
• Utilizar un “estilo lomo”
• Texturizar las fotografias
• Añadir viñeteo
• Añadir ruido y grano a las imagenes

Si necesitan mas datos, pueden leer el articulo completo en: http://www.webdefotografia.es/%c2%a1atencion-estas-8-tecnicas-de-photoshop-pueden-producir-buenas-fotos/

Como no sabia de que manera empezar este post lo haré desde el principio:

Revolviendo en mi libroteca, hace unas semanas, encontré un libro titulado “200 consejos prácticos para títulos de cine”, de Voogel y Keyzera. Lo pase de largo, un poco porque no era lo que buscaba y otro porque los títulos aun no me interesan…

Hoy doy con un sitio que se llama “The art of the title sequence” (El arte de las secuencias de títulos, de alguna manera traducido), en la que muestran, entre otras cosas, los mejores títulos de cine.

Como dije, primero lo primero. Aquí el prólogo del libro:

“Este libro es un compendio de doscientos consejos prácticos para hacer cine. No es un manual en el que se encuentra absolutamente todo. Deliberadamente no se ha intentado conseguir una obra completísima, cosa por otra parte imposible en las dimensiones de este volumen. La idea que se tenía era: agrupar una serie de consejos prácticos, teniendo como objetivo el logro de mejores resultados en la filmación. Entre ellos figuran algunos consejos que pueden parecer elementales (y que para algunos lectores efectivamente lo son, para otros probablemente no), pero creemos que abundan los que dictaría un experto, válidos para la mayoría de buenos aficionados que encontrarán en ellos un enriquecimiento de sus experiencias.
Aunque cada párrafo del libro puede leerse como un consejo independiente, se ha intentado una sinopsis de los mismos, clasificándolos por capítulos. Está claro que el capítulo «Consejos prácticos para filmar buenas imágenes» forma el «guión de la obra». En la filmación se establece la base para el producto final: la película lista para proyectar.
En fin, si usted consigue mejorar sus películas, siguiendo uno o más consejos de este libro, los autores habrán cumplido su propósito.”

Tengan en consideración que el libro fue editado en español en el año 1980, por lo que algunos pasajes y consejos estarán sino pasados de moda, totalmente obsoletos. Me parece que es una obra mas que para aprender prácticamente, para definir algunos consejos teóricos.

El libro se puede descargar o puede leerse en linea en la siguiente dirección:

http://www.librosmaravillosos.com/doscientosconsejos/index.html

Y luego, en un post de Ateneu Popular (http://www.ateneupopular.com) encontré la dirección de un sitio donde se exponen los mejores títulos de películas. Esto es mejor y mas práctico para aprender (también es mas moderno y explicito que el libro mencionado):

http://www.artofthetitle.com/

Ahí esta, para los que tienen que hacer títulos, nada mejor que empezar por el principio.

“El método es el siguiente: debemos tomar con el dedo índice y el pulgar el espacio que hay entre dichos dedos en la mano opuesta. Allí buscamos la parte más carnosa, no la piel y presionamos durante treinta segundos o un minuto, luego cambiamos a la otra mano. Puede que sea un poco molesto, pero también efectivo.

Con esto logramos que el encéfalo segregue endorfinas y el organismo se despierta. Muchos utilizan esta técnica también para situaciones en las que necesitan estar atentos y activos. Eso sí, también se aclara que en caso de estar embarazada se evite practicar esto ya que podría causar problemas en el bebé e incluso la pérdida del mismo.”

Parece divertido pero el final me resulta un tanto temible.

Sera cuestión de probar para evitar esos molestos dolores… (gracias Horacio!)

La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes. En el siguiente artículo te explicamos sus fundamentos.

ISO analógico: granos y sensibilidad

Las películas fotográficas están formadas por haluros de plata, millones de cristales transparentes sensibles a la luz, agrupados. Una gelatina actuaba como soporte impidiendo que se agrumen haciendo las veces de vehículo de esa masa lechosa. Esta gelatina, una vez seca, mantiene los haluros suspendidos formando la película propiamente dicha y permite la entrada de líquidos sin necesidad de perder ninguno de los cristales.

El tamaño de estos cristales es lo que marca la sensibilidad de la película y el grano que se aprecia al obtener las copias reveladas.

Con el paso a la fotografía digital, se conservó el concepto de sensibilidad ISO, aunque el funcionamiento del sensor no tiene mucho que ver en este aspecto, y el resultado, tampoco.

ISO Digital: la relación señal-ruido

Señal es toda información significativa para construir un mensaje. Ruído es cualquier otro dato que acompañe a la señal dificultando su transmisión, almacenamiento y comprensión

En las cámaras digitales, el sensor o CCD es el chip encargado de la captura de la imagen. Está compuesto por una malla de miles de celdas fotosensibles en las que se recibe la imagen formada por el lente.

Cada una de esas celdas genera una corriente eléctrica en presencia de la luz. Esa corriente eléctrica será luego convertida en datos numéricos que se almacenarán en forma digital binaria en la memoria de la cámara dando origen a un píxel.

Cada una de esas celdas genera una cantidad más o menos fija de corriente eléctrica (y por lo tanto de datos) al azar, aún en ausencia de la luz y en relación a la temperatura.

La sensibilidad de cada uno de los elementos del sensor es fija, con un valor aproximado equivalente a 100 ISO. Los índices ISO superiores que nos ofrece la cámara digital se logran no por un incremento en la sensibilidad de los elementos captores, sino por una amplificación posterior de la señal que estos emiten.

Como estos elementos tienen una emisión de señal de base mas o menos fija, al capturar una señal lumínica débil y amplificarla, estamos amplificando también una buena porción de la emisión de datos aleatoria del chip, con lo que se mezclará una cantidad de señal aleatoria sin contenido a la señal correspondiente a la imagen.

Conclusiones:

La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente.

El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.

El ruido se manifiesta más en alguno canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición para reducir el ruido mediante una aplicación de filtros.

Gracias jlr de www.dzoom.org.es por tan maravilloso y completo artículo (que no toque ni recorte ni nada, y por lo cual espero me perdonen).

Estos datos han aclarado los motivos por los que al hacer croma key (en mi Set croma) tanto con cámaras digitales como analógicas, siempre la imagen se ha visto “contaminada” por el color azul del fondo. A partir de aqui, comenzare a trabajar con color verde para el fondo, dejaré de aumentar la sensibilidad ISO y comenzare a trabajar en un set mejor iluminado.

Recomiendo personalmente a todos los que estan interesados en la fotografía a darse una vuelta por allí dado que he encontrado muchas cosas interesantes e ilustrativas de las que seguramente me nutriré para futuros artículos.

Artículo original: http://www.dzoom.org.es/noticia-1551.html

Artículo relacionado en Flikr: http://www.flickr.com/groups/olympus-e500/discuss/72157601595041781/

Artículo que encontré y queria mencionar: http://guia.mercadolibre.com.mx/seleccionar-sensibilidad-iso-apropiada-tomar-fotografias-13793-VGP